“No hay recintos amurallados ni armas en los 11 sitios que investigamos”

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Ruth Shady: “Caral tiene un mensaje para el mundo: vivamos en armonía y con respeto por la naturaleza y por los otros seres humanos, aunque seamos de culturas e ideologías diferentes”

 

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Zona Arqueológica Caral
Imagen aérea de la ciudad sagrada de Caral.
Foto: Ministerio de Cultura de Perú

 

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Vichama
Relieves hallados en el sitio arqueológico de Vichama que representan a individuos famélicos.
Foto: Ministerio de Cultura de Perú

 

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Vichama
Figurillas femeninas que representan a personajes de la élite de Vichama.
Foto: Ministerio de Cultura de Perú
 

Hasta que no se demuestre lo contrario, la ciudad sagrada de Caral, al norte de Lima, es la primera ciudad de América. Esta ciudad primigenia, y en general toda la cultura Caral, es contemporánea a la egipcia Menfis: ambas prosperaron a lo largo del III milenio a.C. Pero Caral, a diferencia de Menfis, creció completamente aislada, alejada de otras grandes civilizaciones. Sobre Caral no está todo dicho; su importancia crece a medida que va saliendo a la luz. 

sin-armas1.jpgLa civilización global del siglo XXI debería fijarse en Caral. Esta cultura utilizó todo su ingenio para resistir a los terremotos y a los cambios climáticos, pero también asumió el poder ingobernable de una naturaleza que era sagrada. Por otro lado, ejerció su dominación de forma pacífica y la igualdad de género se dio de forma natural. La arqueóloga peruana Ruth Shady (68 años) ha rescatado todo este legado a lo largo de su carrera profesional. “Caral tiene un mensaje para el mundo: vivamos en armonía y con respeto por la naturaleza y por los otros seres humanos, aunque seamos de culturas e ideologías diferentes”, explica en esta entrevista.

Caral es la cuna de la civilización andina. ¿Por qué?

La civilización Caral es la más antigua del continente americano. Se desarrolló en la costa norcentral de Perú y alcanzó gran prestigio a lo largo de un milenio, entre el 3000 y el 1900 a.C. Las culturas anteriores experimentaron un proceso de neolitización milenario para adecuarse al megadiverso territorio andino y continuar subsistiendo en el espacio que ocuparon. Como resultado se formaron diversas culturas, modos de vida e idiomas. Perú ha sido pluricultural y multilingüe.

¿Cómo eran estos pueblos anteriores a la civilización Caral?

En la costa norcentral se han identificado asentamientos de pescadores, recolectores y productores de algunos cultivos que vivían en aldeas ya ordenadas, con espacios y pequeñas construcciones de función pública y ceremonial, tales como Chilca y Bandurria. En cambio, la civilización Caral corresponde a una etapa más avanzada, con una economía excedentaria agropesquera y centros urbanos ordenados y organizados por autoridades sociales y políticas. Los especialistas que intervinieron en las construcciones monumentales y en diversos campos del conocimiento y del arte generaron también redes de contactos interculturales en condiciones de paz.

En las imágenes aéreas llama la atención el buen estado de conservación de las ruinas. ¿A qué se debe?

Al conocimiento aplicado en su construcción. La sociedad Caral estaba asentada en un territorio sísmico, el Cinturón de Fuego del Pacífico, y tenía conocimiento de ello. Por eso creó una tecnología sismorresistente mediante la construcción de edificios sobre plataformas superpuestas en cuyo interior depositaban bolsas o shicras llenas de piedras que dispersaban las ondas sísmicas. También construyeron muros con un diseño escalonado que se interrumpía cada cierta distancia y que contaba con grandes piedras en las esquinas. En la construcción de viviendas usaron la quincha, un material flexible frente a los movimientos, con enlucidos de arcilla y pintura.

Asombroso.

Cada edificio público tenía un altar, con un fuego central que alcanzaba altas temperaturas y conductos subterráneos que canalizaban la energía del viento. Tenían conocimientos de mecánica de fluidos, según los físicos consultados.

¿Qué función tenían los edificios principales?

La escalera central, eje de cada edificio, tiene una orientación especial, en relación con determinados astros. La plaza circular revela conocimientos de geometría y su uso fue diferenciado. La función de la plaza asociada a la Pirámide Mayor de la mitad alta fue ceremonial y estuvo relacionada con actividades políticas. La plaza circular de la mitad baja de la ciudad evidencia materiales relacionados con ceremonias religiosas. El diseño del centro urbano y de los monumentos está relacionado con el ordenamiento astral, la estructura social, la organización política y la ideología.

¿Es cierto que no se han encontrado armas ni murallas defensivas? ¿La dominación fue pacífica?

La sociedad de Caral mantuvo una relación armoniosa con la naturaleza y con otras sociedades de culturas e idiomas diferentes. Respetaron el paisaje natural: la tierra y el agua de los ríos y del mar, de donde provenían sus recursos alimenticios, fueron considerados deidades mamapacha y mamacocha. Los cerros fueron, asimismo, seres naturales o apus. Tendieron redes de intercambio y crearon relaciones interculturales en condiciones de paz. No hay centros urbanos amurallados ni armas en los once sitios que estamos investigando.

¿Cómo entró en crisis?

Por un cambio climático, catastrófico por sus efectos. Se ha identificado una secuencia de fenómenos que recuerdan los acontecimientos actuales: sismos y aluviones que cubrieron la bahía de la ciudad pesquera y una sequía prolongada de varias décadas de duración, sin agua en el río Supe y con arenamiento de los campos de cultivo.

En Vichama se han hallado relieves que representan a personajes famélicos.

Los vichama afrontaron el cambio climático porque tuvieron cerca los recursos del mar. No obstante, en el salón ceremonial de uno de los principales edificios dejaron 34 esculturas con dos series de individuos: hombres famélicos adultos entre dos cadáveres; y jóvenes igualmente afectados por la hambruna, participando en una danza ritual. Los fechados radiocarbónicos coinciden con el cierre y abandono de Caral, hacia 1900 a.C.

Ellos afrontaron con éxito un cambio climático. ¿Nosotros no aprendemos del pasado?

Sin memoria ni registro siempre estaremos empezando; sin prevención estaremos expuestos a la crisis y a la afectación de la vida humana. El cambio climático de gran intensidad se debe a causas naturales que son cíclicas y que causaron grandes estragos en las sociedades andinas. Pero está siendo intensificado y acelerado por la acción humana irresponsable, mediante la producción de dióxido de carbono y la destrucción de la naturaleza y del equilibrio medioambiental. Debemos reflexionar, y Caral tiene un mensaje para el mundo: vivamos en armonía y con respeto por la naturaleza y por los otros seres humanos, aunque seamos de culturas e ideologías diferentes.

Tampoco se debe olvidar el rol que tenía la mujer en la sociedad Caral, ¿verdad?

Desde la civilización Caral, la mujer tuvo un rol destacado en actividades religiosas, económicas y políticas, como se puede evidenciar en el material recuperado. La equidad de género continuó a través del tiempo, como se aprecia en las culturas moche e inca. Cuando los españoles llegaron a Perú dijeron que los nativos eran débiles porque dejaban gobernar a las mujeres.

 

Por: Alec Forssmann

Tomado de: https://www.nationalgeographic.com.es/historia/actualidad/no-hay-recintos-amurallados-ni-armas-en-los-11-sitios-que-investigamos_9886/1

Chile: Museo Nacional de Historia Natural libera colecciones en 3D

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Pata-Chilesaurus-diegosuarezi

Serán 70 modelos que se pondrán a disposición del público a través de la plataforma Sketchfab, la cual es utilizada por más de 30 museos a nivel mundial para compartir colecciones en tres dimensiones. Con esto, el MNHN se transforma en uno de los primeros museos de Latinoamérica en compartir libremente modelos en 3D para descarga e impresión, liberando sus colecciones digitalizadas en este formato.

El Museo Nacional de Historia Natural (MNHN), institución dependiente del Servicio Nacional del Patrimonio Cultural y el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, anunció la liberación de 70 modelos, correspondientes a parte de sus colecciones, en formato 3D, a través de la red social Sketchfab, especializada en publicar este tipo de contenidos.

Los modelos que se publicarán son fruto del trabajo de digitalización que se ha llevado a cabo en el MNHN por la empresa Tresdp, que en 2017 prestó sus servicios vía licitación pública, lo que generó como resultado la liberación de 70 objetos emblemáticos de las colecciones de las Áreas de Paleontología y de Antropología del museo. Los modelos que se cargarán en esta plataforma no sólo podrán ser observados en línea, sino que también se permitirá su descarga para diversos usos, como la reproducción de las piezas mediante una impresora 3D.

De esta manera, quienes visiten el Sketchfab del MNHN podrán apreciar vasijas incas, tablillas rongo rongo, las piezas que componen el ajuar del Niño del cerro El Plomo y partes del esqueleto original del enigmático Chilesaurus diegosuarezi, el dinosaurio más importante del momento, entre otros.

 

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La ministra de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Consuelo Valdés, aplaudió la iniciativa: “El Museo Nacional de Historia Natural custodia colecciones que pertenecen a todos los chilenos y chilenas. Por eso, todos los métodos que se implementen para que la ciudadanía acceda libremente a nuestro rico patrimonio natural son bienvenidos. Es sumamente positivo que estas piezas tengan acceso gratuito y en una calidad que, gracias a la tecnología, permitirá apreciarlas en detalle y desde cualquier lugar del mundo”.

Escaneo 3D colecciones MNHN 1

Claudio Gómez, director del MNHN, resaltó la importancia que tiene la presencia del MNHN en la plataforma Sketchfab: “Nuestro museo tiene una especial preocupación de que la riqueza de las colecciones que alberga se puedan apreciar en la mayor medida posible. Esta moderna manera de acercar las colecciones al público permite tener una experiencia que se acerca muchísimo a apreciar de primera mano las piezas, además de ponernos a la vanguardia en la forma de compartir nuestras colecciones”.

Reynaldo Montenegro, jefe de Recursos Tecnológicos del MNHN, destacó que abrir las colecciones del museo tiene un impacto significativo: “Con esta publicación de modelos se está pe

rmitiendo un acceso al patrimonio que resguarda nuestro museo desde cualquier lugar del mundo, con una calidad que permite que las piezas revisadas, descargadas y hasta impresas, pero sin daño al objeto patrimonial resguardado. Esto es algo en que nuestro museo es pionero a nivel latinoamericano”.

Sobre Sketchfab y los museos

Actualmente existen cerca de 35 museos a nivel mundial que poseen cuenta en esta red social y que han subido contenidos 3D. Entre las instituciones más destacadas que están activas en Sketchfab (red creada en 2012) se cuentan el British Museum, el Science Museum de Inglaterra, el Brooklyn Museum, de Estados Unidos, el Muséum de Toulouse de Francia, y el Museo Arqueológico Nacional de España.

El número de modelos que ya existen en esta plataforma supera los mil 200; de los museos presentes en esta red cerca de la mitad no permite descargas de sus modelos, lo que incide en la cantidad de vistas que tiene cada modelo publicado. El público se inclina más por aquellos modelos que pueden ser descargados e impresos. El MNHN es el primer museo chileno en tener presencia en Sketchfab;el Museo Nacional de Antropología de México es otro museo latinoamericano presente en esta plataforma.

 

Tomado de: https://radio.uchile.cl/2018/09/07/museo-nacional-de-historia-natural-libera-colecciones-en-3d/

Chile: Tradición oral Rapa Nui ingresa al registro de Patrimonio Inmaterial

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La Tradición Oral Rapa Nui, expresión que se mantiene viva gracias a 2 mil personas, aproximadamente, y que está asociada a manifestaciones artísticas, sociales, ambientales y espirituales, ha ingresado  al Registro de Patrimonio Inmaterial en Chile en el que figuran otras 33 manifestaciones y saberes.

 La incorporación de la Tradición Oral Rapa Nui ocurre después de que el Comité Asesor de Patrimonio Cultural Inmaterial, órgano consultivo que guía su acción conforme a los criterios de la Convención para la Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial (PCI) de la Unesco, analizara la solicitud ciudadana realizada por Umanga Hatu Re’o, la Academia de la Lengua y Cultura Rapa Nui.

 Esta tradición oral, la cual se ha transmitido transgeneracionalmente en el espacio doméstico y familiar, a través de un aprendizaje oral y mimético desde hace más de 1000 años, ha logrado mantenerse pese al más completo aislamiento que esta isla vivió durante varios siglos y cuya población casi sucumbe al exterminio, luego de pasar por raids esclavistas y epidemias en el siglo XIX.  Asimismo, en el siglo XX y XXI, su comunidad ha logrado resistir, gracias a la transmisión de su lengua  – la cual fue por periodos prohibida- y la persistencia de sus cultores(as).

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La ministra de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, Consuelo Valdés, destacó la importancia de este proceso y señaló que “el ingreso de la tradición oral rapa nui al Registro de Patrimonio Cultural Inmaterial en Chile es un acto de respaldo a la comunidad de la isla, que históricamente ha luchado por la vigencia de las expresiones de su tradición oral. Como Ministerio estamos muy contentos de que se haya acogido la solicitud de la Academia de la Lengua Rapa Nui y de iniciar junto a la comunidad un trabajo que contribuya a la salvaguardia de las manifestaciones que hoy se mantienen vigentes y que son fundamentales para la identidad rapa nui”.

Por su parte la presidenta de Umanga Hatu Re’o, Jackeline Rapu Tuki, quien tuvo a cargo la solicitud de la comunidad, comentó que “la continuidad y raigambre de la Tradición Oral Rapa Nui en su comunidad ha sido fundamental para la conformación de la ‘identidad rapa nui’. Este sentimiento de pertenencia y de relación directa entre tradición oral, lengua e identidad ha sido corroborada sistemáticamente por los estudios e investigaciones llevadas a cabo en la Isla, entre ellas, destaca el reciente estudio llevado a cabo por MINEDUC y UNESCO en 2016, donde se releva que el 96% de la comunidad  considera que la preservación de la cultura rapa nui depende directamente de la vitalidad de su lengua”.

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Para lograr su vigencia actual, en los últimos 30 años la comunidad -de forma consciente y coordinada- ha creado nuevas formas para reforzar la tradición oral a través de la enseñanza de la lengua, entre ellas: tener la primera escuela chilena donde se enseñó la lengua vernácula (1976), creación e implementación del programa escolar de inmersión en lengua rapa nui (1999), creación y mantención de la Academia de la Lengua Rapa Nui (2004), obteniendo personalidad jurídica el año 2006, Día de la lengua Mahana o te Re’o  (que se realiza desde el año 2001), Mahana o te Pata’uta’u (día de la narración) (desde 2008), Koro Nui Tupuna (aldea Educativa Honga’a o te Mana), Tapati Rapa Nui (donde se realizan actividades en torno a los deportes y expresiones artísticas ancestrales) y en la actualidad -en complicidad con el aparato público nacional- creación e implementación de un programa de educación temprana para que los(as) niños(as) aprenden a hablar rapa nui. Todas estas medidas tienden a que la tradición oral, a través de la lengua, se mantenga y fortalezca asegurando su transmisión entre generaciones y diálogo intergeneracional.

 Además de recomendar el ingreso de Tradición Oral Rapa Nui al Registro de Patrimonio Inmaterial en Chile, el  Comité Asesor de Patrimonio Cultural Inmaterial propuso dar continuidad al trabajo de gestión de esta expresión, con miras a que eventualmente se desarrolle una postulación a la Lista del Patrimonio Cultural Inmaterial que requiere medidas urgentes de salvaguardia.  Las inscripciones en esta Lista contribuyen a movilizar la cooperación y la asistencia internacional para que los actores interesados puedan tomar medidas de salvaguardia adecuadas.

 El ingreso al Registro es la primera etapa del Proceso de Salvaguardia del Patrimonio Inmaterial y se inicia con una Solicitud Ciudadana, las deberán ser expresadas mediante un formulario único, el que incluye información relacionada con el elemento de patrimonio cultural inmaterial al que refiere y la identificación de cultores asociados. Estas solicitudes deben realizarse en formato físico, entregando el formulario en cualquier Oficina de Informaciones, Reclamos y Sugerencias (OIRS) del Nivel Central o Direcciones Regionales; o bien, en formato online, a través de la plataforma web www.sigpa.cl.

 

Tomada de: https://radio.uchile.cl/2018/10/20/tradicion-oral-rapa-nui-ingresa-al-registro-de-patrimonio-inmaterial-en-chile/

Un novedoso láser encuentra una pirámide maya perdida (y 60.000 estructuras)

lidar1.jpgSe trata del mayor estudio de este estilo en la historia de la arqueología mesoamericana y ha servido para revelar que la zona estudiada es un 40% más grande de lo que se creía.

 

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Vista de Tikal, arriba cubierta por la selva, abajo descubierta por lídar.

 

Casas, sistemas de regadío, calzadas, campos de cultivo y hasta pirámides. Estas son solo algunas de las casi 61.500 estructuras mayas que se han encontrado bajo la vegetación de la selva al norte de Guatemala gracias a un rastreo hecho con una tecnología láser denominada LIDAR. Se trata del mayor estudio de este estilo en la historia de la arqueología mesoamericana y ha servido para revelar que la zona estudiada es un 40% más grande de lo que se creía.

Un equipo internacional de arqueólogos llevó a cabo esta nueva investigación, que es la más extensa que se ha hecho hasta fecha y ha alcanzado los 2.000 kilómetros cuadrados de área explorada. El hallazgo ha hecho replantearse a los antropólogos aspectos básicos de la sociedad, agricultura, economía y sociedad maya por la infinidad de edificios que se han encontrado, lo que les permitió hacerse una idea de las miles de personas vivieron en la región, cómo se relacionaban y subsistían.

 

Los investigadores creían que esta civilización había tenido un paso breve y de ritual en esta zona de México pero los restos hallados recientemente revelan que la élite maya vivió aquí durante años.

Un equipo de Estados Unidos, diversos países europeos y Guatemala han sido los encargados de llevar estas investigaciones, que fueron dadas a conocer en la revista científica Science. Pese al reconocimiento sobre el terreno que se había llevado previamente, los grandes humedales y las zonas selváticas dificultaron una exploración que, ahora, se ha completado gracias al láser y con el que se han revelado miles de estructuras hasta la fecha desconocidas.


El LIDAR se trata de una revolucionaria técnica de reconocimiento aéreo con la que hallar estructuras desconocidas hasta la fecha: consiste en utilizar un láser pulsado sobre un área y medir la luz que se refleja con un sensor. Con ello se consigue una vista tridimensional con las medidas reales del área sobre el que se ha desplegado el haz de luz y, así, se han descubierto toda esta serie de estructuras que a simple vista no se encontraban por las dificultades que entraña la selva.

Se han encontrado todo tipo de edificios, cuyo estudio servirá para poder conocer más y mejor sobre la forma de vida de la cultura maya. Pero uno destaca por encima del resto: una pirámide encontrada en el centro de Tikal. Se trata de un edificio de siete pisos del que de momento no se tiene mucha más información, pero del que se cree que servía para ceremonia rituales. Todo ello en una zona en la que el láser ha confirmado que vivía mucha más gente de la que se pensaba.

Los secretos de la selva

El descubrimiento no habría sido posible si no fuese por esta tecnología láser, que ha permitido analizar digitalmente qué se esconde en la selva. Tanto es así que, como señala uno de los encargados del proyecto, Thomas Garrison, de no haber cambiado de método, habrían caminado por encima de la carretera sin saberlo. “En cuanto nos dimos cuenta, sentimos algo de vergüenza. Habíamos pasado por ahí todo el tiempo”. Por ejemplo, llegaron a pensar que uno de los templos solo era una colina.

Los datos del LIDAR han revelado que las grandes calzadas existentes -creadas con cierta elevación para evitar problemas en las temporadas de lluvia- y las grandes zonas urbanizadas podrían hacer pensar que en las tierras bajas mayas llegaron a vivir 11 millones de personas durante el Periodo Clásico Tardío (650 a 800 d. C.). “Ahora es nuestro trabajo como arqueólogos resolver todo esto”, afirman los científicos que han llevado a cabo el estudio. Los mayas están más vivos que nunca.

Fuente: elconfidencial.com | nationalgeographic.com | 28 de septiembre de 2018

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El láser desvela toda la grandeza de la civilización maya

Vista área de la ciudad de Tikal, oculta en su mayor parte por la selva y sedimentos. L. AULD-THOMAS Y M. CANUTO/PACUNAM

El láser ha permitido descubrir miles de estructuras levantadas por los mayas y ocultadas por la selva. Usando la tecnología lídar (acrónimo de Laser Imaging Detection and Ranging, detección y localización de imágenes por láser), un equipo de arqueólogos ha escaneado un espacio de miles de hectáreas donde floreció la civilización maya. No han descubierto ningún nuevo palacio, pirámide o grandes templos como el de Kukulcán o el del Gran Jaguar. Pero la infinidad de edificios, calzadas, canales o murallas cartografiados alumbran toda la grandeza de los mayas, y permitir formarse una idea de cuántos millones vivieron en la región, cómo guerreaban o de su agricultura intensiva.

En 2016 un avión recorrió buena parte de la reserva de la biosfera maya, en Petén (Guatemala). Llevaba a bordo uno de los sistemas lídar más avanzados. Esta tecnología utiliza el láser como si fuera un sofisticado radar: envía pulsos de luz que, al rebotar, permiten reconstruir una imagen del objeto o estructura que lo ha devuelto. Aquí usaron una máquina capaz de escanear el terreno desde seis ángulos distintos propiedad del Centro Nacional de Mapeo Láser Aerotransportado (NCALM), con sede en EE UU. El lídar barrió una superficie de 2.144 kilómetros cuadrados en torno a una decena de yacimientos mayas.

“La nuestra es la cobertura lídar más grande en la historia de la arqueología”, dice Francisco Estrada-Belli, especialista en cultura maya de la Universidad Tulane (Nueva Orleans, EE UU) y coautor del estudio. Aunque no es la primera vez que se usa esa tecnología de imagen en yacimientos de esta cultura, esta expedición ha cubierto 10 veces más extensión y con un detalle no logrado por las anteriores. “Cualquier rasgo que tenga de 50 a 100 cm de ancho y 20 a 50 cm de relieve aparece en nuestros visualizaciones”, añade este arqueólogo. Para lograrlo, el lídar emitió más de 33.500 millones de pulsos de láser (15 por metro cuadrado).

Usando Lidar, los arqueólogos pudieron documentar un nuevo lugar al norte de Tikal. El edificio alargado en la parte superior derecha es parte de un complejo que puede preceder al 500 aC.
Al otro lado del valle hay una gran acrópolis, que probablemente sea mil años más joven.Image: Luke Auld/Thomas Garrison/PACUNAM.
 


El mapa en 3D que han obtenido, cuyos resultados publica la revista Science, incluye 61.480 estructuras. Han localizado desde barrios enteros en algunas de las grandes ciudades mayas, como Tikal, Holmul o Xultún, hasta un centenar de kilómetros de calzadas pavimentadas, pasando por cisternas como la de Tintal que, con 2.000 metros de ancho, podía albergar hasta tres millones de metros cúbicos de agua. Al alejarse del mapa, se descubren también perímetros defensivos de varios kilómetros, centenares de canales para el agua o infinidad de pequeños núcleos rurales conectados por caminos.

Tanta información sobre las infraestructuras humanas ha servido a los investigadores para estimar la población que vivía en la zona del estudio y, extrapolando, en toda esta región maya. Durante el periodo conocido como Clásico Tardío (entre los años 650 y 800 de esta era), en el área cartografiada por el lídar había una densidad de población de entre 80 y 100 habitantes por kilómetro cuadrado. En el centro de las principales ciudades, como Tikal, la densidad debió de alcanzar los 2.000 habitante por kilómetro cuadrado, equiparable a la de muchas ciudades de hoy. En toda la región de las tierras bajas vivirían entre siete y once millones de personas.

Las imágenes del lídar, que fueron revisadas sobre el terreno por varios equipos de arqueólogos, también muestran que los mayas necesitaron de la agricultura intensiva para poder alimentar a tanta población urbana. El sistema tradicional, la milpa, basado en la quema de parcelas para fertilizar la tierra ante la nueva siembra, habría sido incapaz si no fuera por los centenares de canales, muchos de un kilómetro de largo, usados para drenar los humedales que ocupaban la mayor parte del territorio. La investigación ha localizado también 306 kilómetros cuadrados de parcelas en terrazas. Hasta el 17% del territorio que hoy ocupa la selva tiene marcas de un pasado agrícola. Para los autores del estudio, un esfuerzo tal exigiría de una organización y centralización muy avanzadas.

 “Lídar aporta una visión extremadamente precisa de la geografía y topografía del paisaje. Puede usarse en cualquier tipo de paisaje, pero cuando se aplica al caso particular de los bosques y la selva maya, es como una varita mágica (muy cara) que nos da detalles de los drenajes, montañas, valles, tierras bajas y, lo que es más importante, de grandes yacimientos”, sostiene en un correo la directora del Centro de Investigación Mesoamericana de la Universidad de California en Santa Barbara (EE UU), Anabel Ford.

Sin embargo, esta arqueóloga no relacionada con este trabajo y que lleva 40 años estudiando a los mayas recuerda que “las cosas grandes se ven claramente, pero los elementos que aportan los detalles sutiles del uso agrario del suelo y la relación entre la antigua civilización maya y el paisaje necesitan de una mayor verificación” , por lo que tienen que ser confirmados sobre el terreno. Algo en lo que coincide Estrada-Belli: “Siempre se va a necesitar de arqueólogos con experiencia para reconocer los rasgos documentados por el lídar. Y cuantos más datos lídar, más arqueólogos se van a necesitar”.

UN ARQUEÓLOGO NECESITARÍA UN SIGLO PARA VER LO QUE LÍDAR EN DOS DÍAS

 

La potencia de la tecnología lídar es tal que está siendo utilizada en actividades tan dispares como la prospección minera o la cartografía de los fondos marinos. Es también un elemento esencial en la conducción y la seguridad de los coches autónomos, que usan lídar para hacerse una composición de lugar instantánea.

“En 18 años logré cubrir 47 kilómetros cuadrados. El lídar cubrió 308 kilómetros cuadrados en unos dos días”, dice el arqueólogo Francisco Estrada-Belli. “No me alcanzarían otros 118 años y no lograría el mismo nivel de detalle. Siempre se me escaparían cosas que no vi estos últimos 18 años aún pasando encima de ellas”, añade.
Para el especialista en tecnología Lídar del NCALM, el hondureño Juan C. Fernández, “el lídar es la tecnología más efectiva y precisa para mapear la topografía”. Entre los usos que tiene están la ingeniería para el diseño de carreteras, el monitoreo del estado y tamaño de los bosques, en geología para el estudio de la deformación de la tierra debido a erupciones volcánicas y terremotos… “En el caso del mundo maya y en específico en las tierras bajas, lo que permite es poder mapear con un nivel increíble de detalle y precisión lo que está oculto por la selva”, añade este investigador de la Universidad de Houston.

Fuente: elpais.com | 28 de septiembre de 2018

 

 

 

Tomado de: http://www.historiayarqueologia.com/2018/09/un-novedoso-laser-encuentra-una.html?utm_source=feedburner&utm_medium=email&utm_campaign=Feed%3A+arqueologos+%28Historia+y+Arqueolog%C3%ADa%29

 

Perú: Hallan 60 momias y seis cabezas trofeo prehispánicas

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Un grupo de investigadores ha descubierto en Perú los restos momificados de, al menos, 60 personas, así como seis cabezas trofeo con una antigüedad que gira en torno a los 1.500 años, según informa LiveScience. El hallazgo ha tenido lugar en unos profundos pozos ubicados en el valle de Vitor, al sur del país americano. El clima árido de la zona ha permitido que los restos se momificasen de forma natural, sin que haya rastro de ningún tratamiento humano en el proceso.

Los 27 pozos en los que han encontrado los restos están cavados en el suelo y tienen una profundidad que varía entre los 3 y los 4 metros. Los cuerpos datan del 550 d.C. y podrían pertenecer a miembros de la cultura Ramada, según afirma Maríz Cecilia Lozada, directora del equipo e investigadora y antropóloga de la Universidad de Chicago.

Esta sociedad residía en los valles cercanos de la fosa descubierta. Utilizaba, además, una vestimenta muy similar a la que lucían los cuerpos momificados. «Vemos muchos textiles hermosos y con plumas que parecen estar relacionados con esa cultura y se encuentran enterrados con estas personas», dijo Lozada. En cada fosa han aparecido varios cuerpos. Entre ellos restos de bebés que compartían la cavidad con mujeres adultas. Probablemente se trata de sus madres.

Respecto a las cabezas trofeo, estas se han encontrado en otras partes de Perú. Según los antropólogos, podrían pertenecer a enemigosderrotados en batalla. Sin embargo, según la directora de la excavación, es más probable que perteneciesen a miembros de la misma sociedad. «Las cabezas pueden no pertenecer a enemigos, pero tal vez a combatientes del mismo grupo», dijo Lozada.

 

Tomado de: https://www.abc.es/cultura/abci-hallan-60-momias-y-seis-cabezas-trofeo-prehispanicas-peru-201808101216_noticia.html

1º Concurso Internacional de Pintura POP STRAM

 

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Fundación Matilde Tamayo

Vence: 30 de diciembre, 2018

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BASES PRIMER PREMIO PINTURA POP STRAM 2018

El 1º Premio de  Pintura Pop Stram queda convocado de acuerdo a las siguientes bases:

Entidad Organizadora:

  1. La organizadora del premio de Pintura Pop Stram es la Fundación Matilde Tamayo, con domicilio social en C/ Francesc Macià nº 112, 08760 Martorell, Barcelona, y NIF G-25806365

Reconocida por el Estado Español con el número de registro estatal de interés general 1.819, y por la Generalitat de Catalunya como grupo de interés con el número 917.

Condiciones de Participación:

  1. El  primer premio de pintura POP STRAM tiene ámbito internacional, pudiendo participar en el mismo, de forma gratuita, los pintores españoles o extranjeros sin límites de edad. La participación en el primer premio de pintura POP STRAM  comporta la plena aceptación de las presentes bases, sin excepción alguna, por lo que los participantes quedan obligados a su estricto cumplimiento en todo momento.
  1. Las obras que se presenten deben de tener el estilo POP STRAM, con los siguientes requisitos:

El estilo POP STRAM es un nuevo movimiento artístico creado por el artista Ciscu Tamayo que se caracteriza por la combinación en la obra de dos elementos indispensables:

1.-Elemento(s) estrambótico(s): se entiende por estrambótico figuras mezclas animal/humanas o cualquier clara distorsión de la realidad, con la finalidad de explicar o potenciar el mensaje narrativo de  la obra.

2.-Elemento(s) populares, objetos, personajes públicos, logos, imágenes comerciales populares y muy reconocibles por la población mundial, con la finalidad de potenciar el mensaje de la obra, facilitando la entrada y la comprensión del espectador a la obra.

Las obras POP STRAM tienen una narrativa, y todas son válidas. Recuerdos, anhelos, emociones, críticas, sueños, protesta, etc.

Tanto el tema como la técnica pictórica a utilizar serán de libre elección. Si surgen dudas sobre el cumplimientos de estos requisitos en la obra, contacten con la Fundación Matilde Tamayo a través de su web:

matildetamayo.org

Ó a través del mail:

fundacionmatildetamayo@gmail.com

4. Cada autor podrá participar con un máximo de dos obras que podrán ser obras independientes o formar parte de una misma serie. En cualquier caso, ningún participante podrá ser premiado por más de una obra en esta edición.

5. Los cuadros deberán estar terminados y listos para presentar físicamente en el momento de presentar la candidatura.

6. Las obras no serán inferiores a 60 x 81 centímetros ni superiores a 100 x 150 centímetros.  Solo se aceptarán las obras pictóricas al óleo, acrílicas, o con otros medios industriales. No se aceptarán obras realizadas con técnicas digitales.

Las obras seleccionadas no precisan que estén enmarcadas y no serán admitidas las obras protegidas con cristal

Mecánica de Participación:

  1. La participación en el 1º PREMIO DE PINTURA POP STRAM se llevará a cabo exclusivamente a través de internet. Los participantes se deberán inscribir remitiendo su candidatura a través de la página web www.matildetamayo.org  En dicha página web encontrarán un formulario a rellenar, en el que podrán adjuntar hasta un máximo de tres (3) fotografías de cada obra que se presente al concurso (se pueden presentar un máximo de 2 obras) además de la documentación referida en el punto 15 de las presentes bases.
  2. El plazo de participación del 1º PREMIO DE PINTURA POP STRAM comienza el 30 de Junio de 2018) y finaliza el 30 de Diciembre del 2018.

No se aceptará envío alguno fuera de dicho plazo. La Fundación Matilde  Tamayo se reserva el derecho a ampliar dichos plazos si así lo estimase oportuno.

  1. En el mes de enero 2019 el Jurado elegirá de entre todos los candidatos a 30 artistas que tendrán la condición de preseleccionados en el premio POP STRAM de pintura.

La lista de los 30 preseleccionados se hará pública en la web y se notificará personalmente a los interesados.

  1. La organización del Premio de Pintura POP STRAM se pondrá en contacto con los 30 artistas preseleccionados para proceder al envío de las obras originales en el mes de Diciembre. No obstante las obras deben de estar preparadas para su recogida antes del cierre de la convocatoria.

La Fundación  asumirá el coste del seguro y del transporte de dichas obras. Las obras tendrán que estar debidamente embaladas. El embalaje deberá ser rígido con formato caja o similar de tal manera que permita una apertura y cierre fácil para su reutilización en el traslado a la exposición y para su posterior devolución.

  1. La Fundación  no se responsabiliza del eventual deterioro de las obras durante el transporte de las mismas o por motivo de un embalaje inadecuado.
  2. La Fundación permite presentar un máximo de dos  (2) obras a concurso por cada participante. Además, quiere premiar las obras evaluando la potencialidad del artista. Para tal fin, los participantes deberán rellenar el formulario de inscripción que aparece en la sección “Participa” de la página web www.matildetamayo.org acompañado de la siguiente documentación técnica:

– DNI o tarjeta de residencia en formato PDF (opcional).

– Domicilio, teléfono, mail.

– Currículum Vitae indicando la trayectoria profesional del artista en formato PDF.

– Hasta un máximo de tres (3) fotografías de cada obra que presenta al premio en formato JPG y con un peso máximo de 3 megabytes por imagen.

– Título de la/las obra/s que presenta (opcional).

– Medidas reales de la/las obras que presenta (alto x ancho).

– Breve descripción de la/las obra/s que presenta

– Dossier con trabajos de los últimos años en formato PDF (opcional).

Los documentos adjuntos en formato PDF no podrán exceder los 3 megabytes de peso por documento.

De entre las candidaturas presentadas, el Jurado seleccionará aquellas que considere más adecuadas, evaluando la calidad de la/s obra/s presentadas en relación al estilo  Pop Stram anteriormente definido

Fallo de los Premios:

  1. El jurado que decidirá la concesión del 1º PREMIO DE PINTURA POP STRAM seleccionará un máximo de 30 obras para su recepción física. Dichas obras serán expuestas en la Galería NAUART (C/ Espronceda 156 de Barcelona) al término de la convocatoria. De entre las 30 obras preseleccionadas y recibidas físicamente, el jurado elegirá en el mes de Diciembre de 2018 la lista de los ganadores que será publicada en la página web del premio y de la que saldrán los tres premios principales. Los nombres de los tres ganadores se darán a conocer el día de la gala de entrega de galardones, que se celebrará en la inauguración de la exposición POP STRAM en NAUART del 1º PREMIO DE PINTURA POP STRAM durante el mes de Enero 2019.
  1. El fallo del jurado será inapelable.

 

Dotación Económica y Fiscalidad de los Premios:

  1. Dotación Económica. El 1º PREMIDO DE PINTURA POP STRAM  está dotado con las siguientes cantidades para los ganadores de cada categoría:

– 1º seleccionado y ganador del Premio POP STRAM de Pintura: 1.500 euros

-2º  premio de 1.000 euros a la segunda obra seleccionada.

-3º premio de 500 euros a la tercera obra seleccionada.

 

Fiscalidad:

– Serán por cuenta de los premiados todos los impuestos que graven la percepción de los premios, sin perjuicio de lo señalado en el punto siguiente respecto de la retención aplicable.

La Fundación Matilde Tamayo queda exonerada de cualquier responsabilidad al respecto.

Adquisición de la propiedad de las obras premiadas por la entidad organizadora:

  1. Las obras premiadas en cada una de las 3 categorías del 1º PREMIO DE PINTURA POP STRAM  pasarán a ser propiedad de la Fundación Matilde Tamayo, en la fecha en la que se haga público el fallo del jurado. Las dotaciones económicas indicadas con anterioridad incluyen la contraprestación que, en su caso, como cantidad alzada procedería satisfacer a los autores galardonados por la adquisición de sus obras. La adquisición de la exclusiva propiedad de las obras premiadas incluye asimismo la de cualesquiera derechos de explotación, distribución, exhibición, divulgación, reproducción, transformación, comunicación pública, etc., y, en, general cualesquiera derechos legalmente transmisibles, en su más amplia acepción y con el máximo alcance legalmente posible, que podrán ser ejercitados por la Fundación Matilde Tamayo en la forma en que tenga por conveniente y sin limitación temporal o territorial alguna.

Exposición del 1º PREMIO DE PINTURA POP STRAM

  1. La Fundación Matilde Tamayo realizará una primera exposición en la primera quincena de enero de 2019, con las 30 obras seleccionadas en la sala de arte de Nauart en Barcelona.  Se reserva la posibilidad de celebrar diversas exposiciones con todas las obras seleccionadas durante el año 2019 para difundir el estilo Pop Stram en todo el territorio Nacional e Internacional.

Retirada de Obras no Premiadas:

  1. Las obras no premiadas de conformidad con el apartado 16 se exhibirán en diversas exposiciones organizadas por la Fundación durante el año 2019.  Se solicitará la confirmación de los autores para la venta de estas obras.

La dirección proporcionada originalmente en el formulario de registro no se puede cambiar sin avisar previamente a la Fundación. Estos trabajos serán devueltos después de las exposiciones mencionadas.

La Fundación Matilde Tamayo pondrá el máximo celo en el cuidado de las obras recibidas, pero declina toda responsabilidad por extravíos, daños, robos o cualquier otro acto que se pueda producir durante su transporte, depósito o exhibición.

Encuentro Transfronterizo de Profesionales de Museos: Museos y Accesibilidad

etpm-2018.pngPrimera edición on-line
22-25 de nov., 2018

 

etpm-2018.png

Tras más de 7 años de organización del Encuentro Transfronterizo de Profesionales de Museos: Museos y Accesibilidad (ETPM), la Asociación de Museólogos y Museógrafos de Andalucía (AMMA) y la Associação Portuguesa de Museologia (APOM) deciden este año dar un paso más en el desarrollo del encuentro y apostar por una edición digital, realizada totalmente online para poder ampliar el acceso a cualquier tipo de público y desde cualquier lugar del mundo. Esta séptima edición se celebrará del 22 al 25 de noviembre. La innovación tecnológica y la era digital permiten un acceso a la cultura más libre para todo tipo de público ya sea con dispositivos que permiten experiencias sensoriales a personas con discapacidad o a personas que no se encuentran en el entorno físico del museo. Por ello este año apostamos por tratar el tema de la accesibilidad digital y las nuevas tecnologías y cómo los museos hacen uso de ellas para poder ser accesibles a todo tipo de público.

Se plantea un Encuentro de cuatro días de duración (del 22 al 25 de noviembre) en el que participen expertos en el tema a nivel internacional participando con conferencias, así como foros de debate donde los participantes de cualquier punto del planeta podrán compartir experiencias locales. Así mismo, se abrirá una zona de comunicaciones para que todos aquellos profesionales del sector puedan dar a conocer sus proyectos y les sirva de escaparate para exponer sus propuestas innovadoras.

El encuentro se realizará en una plataforma Moodle creada para la ocasión y habilitada para la participación de expertos que aportarán sus experiencias a través de conferencias. Este espacio será el más importante y estas conferencias se llevarán a cabo por vídeos y se lanzará al público a una hora determinada.

Por otro lado, se crearán espacios para el debate donde los participantes así como el público podrán intervenir y comunicarse entre ellos y con los expertos durante las horas habilitadas para ello. Será un espacio donde se habilitarán temas para tratar con los participantes y el público. Se prevé sirva de mesa redonda.

Por último, se facilitará un espacio para aquellos profesionales del sector de los museos que quieran aportar sus experiencias profesionales mediante comunicaciones. El público tendrá la oportunidad de presentar sus proyectos locales a los que se les entregará un certificado por participar con comunicación que posteriormente será publicada en las actas del encuentro con ISSN.

A estos tres espacios se le sumará el cuarto y más importante, la “galería de expertos” donde todos los participantes que quieran podrán tener un espacio personal para dar a conocer su currículum vitae y sus datos sirviendo así de galería de expertos y lugar de encuentro.

 

+info: www.etpmuseos.com

Inscripciones: https://etpmuseos.com/inscripcion2018/

contacto: info@asoc-amma.org

 

Programa:

*Jueves 22

Presentación del encuentro y bienvenida por parte de la organización.

Acceso a las comunicaciones de los participantes

Alta de los participantes en la “galería de expertos”

*Viernes 23

Comenzaremos el día con el Bloque I: Acceso digital.

Conferencias en las que los ponentes darán a conocer cómo los museos se hacen accesibles en un entorno digital para todo tipo de públicos. Se tendrá en cuenta los entornos web, la digitalización del patrimonio que favorece su conocimiento, experiencias con realidad virtual y el uso de aplicaciones móviles para facilitar la experiencia museística.

Ana Álvarez Lacambra- Museo Thyssen Bornemisza. Madrid.

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza: El acceso digital al proyecto de certificación en accesibilidad universal a través de la web.

El Museo logró el certificado en Accesibilidad Universal de AENOR en 2017, certificación que todavía no abunda en los museos españoles ya que implica no sólo adaptar sus instalaciones sino también los servicios prestados al público, independientemente de su edad o capacidades. Entendiendo la accesibilidad como un esfuerzo continuo e integrada en la gestión del Museo, otro reto era comunicar al usuario final los avances de una forma clara y útil para ayudarle a preparar la visita. Con motivo de la presentación de la nueva web en abril de 2017, durante los meses de otoño y principios de 2018 el área Web coordinó la nueva estructura y contenidos de la sección Accesibilidad de la www.museothyssen.org en un proyecto transversal con otras áreas implicadas (Servicios Generales, Educación, Atención al Visitante, Comunicación).

Jasper Visser- VISSCH+STAM. Amsterdam.

Crowdfunding un poema para sordos

Hace 25 años, Leiden fue una de las primeras ciudades de los Países Bajos con poesía en las paredes de los edificios. Por ahora, más de 100 poemas en más de 30 idiomas se pueden encontrar en las calles de la ciudad. Para celebrar este aniversario, Taalmuseum Leiden desarrolló un estreno mundial: el primer poema de pared en lenguaje de signos. Para desarrollar el poema, el museo utilizó una campaña de financiación colectiva, que fue un gran éxito que involucró a más de 130 personas.

En su charla, el consultor internacional Jasper Visser usará este estudio de caso para compartir una visión más amplia sobre cómo se puede usar la tecnología para hacer que los museos y sus colecciones sean más accesibles para más personas.

Jara Díaz Alberola- Museo Lázaro Galdiano. Madrid.

Felicitas Sisinni- Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

ARCHES, un proyecto participativo para hacer los museos más accesibles

El proyecto europeo ARCHES (Accesible Resources for Cultural Heritage Ecosystems) busca hacer los museos accesibles para todos mediante una metodología de investigación participativa y el desarrollo de tecnología accesible. Está enmarcado en el Programa Horizonte 2020 de la Unión Europea y en él colaboran un total 13 organizaciones (universidades, museos y empresas de tecnología). La investigación, en la que participan personas con discapacidad sensorial y/o cognitiva, sitúa las necesidades reales del usuario en el centro del proceso.

FORO con los ponentes (hora a convenir)

FORO ABIERTO con los participantes que hayan presentado comunicaciones.

*Sábado 24

Continuaremos dando paso al Bloque II: Tecnología asistencial.

Conferencias que abordarán el tema de cómo la tecnología se pone al servicio de personas con discapacidad. Se pondrán ejemplos y se darán a conocer proyectos en los cuales los avances tecnológicos facilitan y ayudan a las personas con discapacidad a tener un acceso pleno a la cultura y en concreto a los museos. Lectura fácil, guías adaptadas, así como dispositivos que favorezcan la visita y experiencia al museo.

Eva Llamazares-proyecto “Accesibilidad 360º – Museos Nacionales Accesibles de Argentina”

Accesibilidad en Museos. El equilibrio tecnológico y la experiencia directa.

El museo real y el museo virtual, el acceso a los contenidos un paso más para garantizar los derechos de todas personas. Los dispositivos y las estrategias que pueden garantizar a los visitantes una visita a su medida, con acceso real al patrimonio y diseño universal. Reflexionando sobre las características de cada espacio cultural y con la flexibilidad de encontrar los ajustes y adaptaciones para todos los públicos.

 Margarita León- Museo Nacional de Colombia

Estaciones Accesibles y actividades educativas inclusivas en el Museo Nacional de Colombia.

Esta ponencia aborda el proceso de diseño e implementación de estaciones accesibles dirigidas a públicos diversos. De igual manera, visibiliza los procesos de creación de actividades educativas multisensoriales como una estrategia para articular dispositivos museográficos y material educomunicativo a las experiencias de todos los públicos del Museo Nacional de Colombia.

FORO con los ponentes (hora a convenir)

FORO ABIERTO con los participantes que hayan presentado comunicaciones.

*Domingo 25

Sesión de clausura: Propuestas y conclusiones.

Finalizamos el VII Encuentro Transfronterizo de Profesionales de Museos: Museos y accesibilidad agradeciendo la colaboración y participación de todos los asistentes, ponentes e instituciones que ha colaborado.

Se abre la convocatoria para el e-boletín de amma que se presentará en el mes de febrero de 2019 con las aportaciones de todos los participantes al encuentro.

Acceso a las ponencias, comunicaciones y Galería de expertos.

Despedida.

*ESTE PROGRAMA PUEDE SUFRIR MODIFICACIONES

El tesoro robado de Berni: a diez años del atraco, las 15 obras como no se vieron antes

berni.jpgLa causa está cerrada y tuvo sus culpables, pero las pinturas y los collages del genial artista argentino siguen desaparecidos; por primera vez, LA NACION los muestra todos juntos.

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Una catástrofe patrimonial. No hay otra forma de llamar lo que pasó con las 15 obras de Antonio Berni que llevan diez años desaparecidas. Fueron robadas en Munro, a punta de arma larga, el sábado 26 de julio de 2008, cuando un camión de la compañía Méndez las trasladaba desde un depósito en Carapachay hasta la casa de José Antonio Berni, hijo del segundo matrimonio del artista, en el barrio de Almagro. El conjunto iba a ser cedido en comodato al Museo Nacional de Bellas Artes, durante la gestión de Guillermo Alonso, para la sala que se terminó dedicando al rosarino, y está valuado en tres millones de dólares. La cotización se queda corta porque lo que había en estos collages y pinturas, que van de 1932 a 1981, es de algún modo invalorable: una síntesis del arte occidental del siglo XX, filtrado por una mirada argentina única.

En esta década, la Justicia encontró culpables directos del robo, que ya cumplieron sus condenas. Sin embargo, no se dio con el paradero de las obras ni con un supuesto autor intelectual del delito. Las 15 obras -en el camión viajaban 17, pero dos no pudieron ser cargadas por los piratas del asfalto- están denunciadas en la página de Interpol junto a otras 14, de menor valor, sustraídas en domicilios particulares. Con autorización de la familia, LA NACION es el primer medio que las muestra ahora todas juntas.

Que la demanda de Berni en el mercado internacional del arte haya alcanzado su pico en los años 90 hace creer que las obras no cruzaron la frontera, que están escondidas en algún lugar del país.

A diez años del hecho, los familiares directos de Antonio Berni prefirieron no hacer declaraciones, pero cedieron a LA NACION los permisos para publicar las quince piezas como nunca antes se vieron. Entre todas, las hay inéditas, como Ramona de fiesta -que nunca fue exhibida y solo se reprodujo en el libro Tesoros de la pintura argentina, del crítico Fermín Fèvre-; célebres (El carnaval de Juanito Laguna), y otras de muy poca difusión, como La leñerita, que se exhibió por última vez hace más de sesenta años. Las obras formaban parte del patrimonio personal de José Antonio desde que, tras la muerte del artista, en 1981, se dividieron la herencia con Lily, hija del primer matrimonio de Berni, fallecida en 2013. Tampoco quiso hablar Inés Berni, nuera del maestro, quien lleva desde Madrid el Archivo y la Fundación Antonio Berni, en cuyo muro de Facebook se publicaron hace un mes, a modo de recordatorio, estas imágenes.

Si bien a través de los años hubo varias especulaciones sobre las circunstancias del asalto, la familia ha mantenido la creencia de que los piratas del asfalto actuaron en una “zona liberada” y que el Estado no se involucró especialmente en el caso, en ninguna de las administraciones que se sucedieron desde el espectacular golpe de julio de 2008.

Al respecto, el secretario de Cultura, Pablo Avelluto , señala que “el Poder Ejecutivo solamente interviene si la Justicia le solicita cooperación o asistencia”. Así las cosas, no hay mucho más para decir desde Alvear 1690: “Toda pérdida de un bien que represente nuestro patrimonio cultural es una pérdida del testimonio de nuestra memoria”. LA NACION pudo saber que desde que ocurrió el robo ninguna autoridad gubernamental se comunicó con la familia para ponerse al tanto de la investigación, a excepción de José Nun, secretario de Cultura de la Nación al momento del hecho, quien dio aviso a la SIDE y a Interpol para que profundizaran los controles fronterizos.

En verdad, la participación de Interpol en el caso ha sido relativa, ya que correspondía a la fiscal Claudia Gambotto, que lo investigó, pedir auxilio a la fuerza policial, y eso no sucedió durante la causa, cerrada tras las condenas que en 2013 elevó el Tribunal Oral en lo Criminal de San Isidro.

El comisario Marcelo El Haibe, jefe del Departamento de Protección del Patrimonio Cultural de Interpol, cree que las obras no salieron del país y que un lapso de diez años sin noticias sobre el paradero de este conjunto se encuentra dentro de lo esperable en el robo de arte. Pone como ejemplo el asalto a Bellas Artes de 1980, cuando se llevaron 16 obras impresionistas, de las cuales se recuperaron solo tres (Cézanne, Renoir y Gauguin) en 38 años.

El Haibe dice que su oficina recibió varias llamadas anónimas que ofrecían información sobre las 15 obras de Berni en los años posteriores al robo. “En esos casos dimos intervención a la Justicia para que resolviera, porque nuestra responsabilidad termina en la publicación de las obras en la base de datos nacional e internacional”. Para el policía, las piezas están escondidas en el país esperando que se “enfríen” para ser colocadas en el mercado. “En ese caso sí podríamos intervenir”, señala. Como ejemplo cita que en 2009 Interpol recuperó 35 obras de Berni del asalto al domicilio del nutricionista Omar Mantovani.

Los cuadros del emblemático artista argentino se encontraban asegurados por la compañía Ascoli & Weil. Tras una minuciosa investigación, la compañía pagó el seguro a la familia. De aparecer las obras, le corresponderían a José Berni la mitad de ellas menos una. Por ahora el heredero mantiene las gigantografías en tela y vinilo de las 15 piezas desaparecidas, que exhibió en el Centro Cultural Borges en 2009. Quizás tenga que mostrarlas de nuevo.

La muerte acecha en cada esquina, 1932

La muerte acecha en cada esquina, Antonio Berni, 1932La muerte acecha en cada esquina, Antonio Berni, 1932 Crédito: Gentileza Archivo Berni

Exhibida por primera vez en la retrospectiva que el Di Tella le dedicó en junio de 1965 y que fue vista por 40.892 personas en veinte días, se trata de una pieza central de su período surrealista creada a partir de un episodio insólito que Berni vivió en Granada hacia 1926. Viajó a New Jersey en 1966 y se vio por última vez en Malba en 2005.

La metamorfosis del pájaro azul, 1932

La metamorfosis del pájaro azul, Antonio Berni, 1932La metamorfosis del pájaro azul, Antonio Berni, 1932 Crédito: Gentileza Archivo Berni

En su primera estadía en París, el joven Berni absorbió de primera mano el impacto de las vanguardias. Pinturas de pequeño formato como esta acusan la influencia de artsitas como De Chirico y causaron shock en el público de Amigos del Arte en 1932. En 1994 se exhibió en el Museo de Arte Moderno de Oxford en la muestra “Art from Argentina 1920-1994”.

Barrancas, 1934

Barrancas, Antonio Berni, 1934Barrancas, Antonio Berni, 1934 Crédito: Gentileza Archivo Berni

Instalado en Buenos Aires, Berni recupera una imagen de su infancia en las afueras de Rosario. En este paisaje enmarcado en el llamado “retorno al orden” de entreguerras rememora sus visitas a las barrancas de San Lorenzo en las orillas del río Paraná. La vieron 330.000 personas en Bellas Artes entre julio y agosto de 1997. No se volvió a exhibir.

 

La leñerita, 1954

La Leñerita, Antonio Berni, 1954La Leñerita, Antonio Berni, 1954 Crédito: Gentileza Archivo Berni

Berni pasaba temporadas en Río Hondo junto a Spilimbergo y su discípulo Carlos Alonso. Allí desarrolló su serie de Santiago del Estero de donde, luego, emergería el personaje Juanito Laguna. Este retrato se exhibió en Witcomb en el 54 y al año siguiente volvió a mostrarse en la galería Creuze de París. El surrealista Loui Aragon escribió el texto de la muestra. No volvió a exhibirse desde entonces.

La casa roja con techo azul, 1954

La casa roja con techo azul, Antonio Berni, 1954La casa roja con techo azul, Antonio Berni, 1954 Crédito: Gentileza Archivo Berni

En la transición que fue de la serie de Santiago a la narrativa de Juanito y Ramona, Berni ensayó distintas aproximaciones al paisaje poniendo a prueba su identidad estética. El próximo paso sería incorporar materiales de la realidad. Esta obra se vio en Galería Imagen en 1968 y luego formó parte del homenaje que Bellas Artes le hizo en 1984 a tres años de su muerte. No volvió a exhibirse.

 

La olla azul, 1959

La olla Azul, Antonio Berni, 1959La olla Azul, Antonio Berni, 1959 Crédito: Gentileza Archivo Berni

Sobre el filo de la década, Berni coquetea con novedades como el informalismo y se acerca a la abstracción pintando interiores de cocinas populares. Toda esta indagación quedaría plasmada en el salto radical que da su obra en los 60. Esta pintura de gran formato solo se mostró en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile en 1964.

El carnaval de Juanito Laguna, 1960

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Una de las doce obras que se vieron en la histórica muestra “Berni en el tema de Juanito Laguna” en la galería Witcomb en noviembre de 1961. El rosarino revoluciona el ambiente del arte argentino con sus collages y un estilo grotesco y ácido del que reniegan sus propios seguidores. Es el inicio de una saga que seguiría hasta 1980 y sobre la que cantarían Mercedes Sosa y César Isella. Se vió también en Chile (1964), Madrid (1995) y de nuevo en Buenos Aires en Malba (2005).

 

La zapallera, 1961

La zapallera, Antonio Berni, 1961La zapallera, Antonio Berni, 1961 Crédito: Gentileza Archivo Berni

El retrato era en Berni un yacimiento inagotable. Esta obra muestra apuntes de Santiago del Estero customizados por las recientes exploraciones del rosarino. Se estrenó en Rubbers en 1969 y poco antes de su muerte se vio en las filiales del Jockey Club (institución aristocrática que había financiado su viaje a Europa en 1925) de Salta y Tucumán. En el centenario de su nacimiento (2005) fue la imagen de un sello postal conmemorativo.

Juanito y los cosmonautas, 1962

Juanito y los cosmonautas, Antonio Berni, 1962Juanito y los cosmonautas, Antonio Berni, 1962 Crédito: Gentileza Archivo Berni

Un tema de aquellos años como la conquista del espacio es incorporado y deglutido por la máquina berniana para la saga de Juanito. Nótese que “cosmonautas” es la denominación que daban los soviéticos para contraponerse a los “astronautas” del capitalismo. Los materiales del basural y los rezagos industriales fuerzan piezas de gran tamaño como esta que ocupan la atención de París expuestas en el Museo de Arte Moderno de la Ville. También se exhibe en Caracas (1977) y Barcelona (1998) y por última vez en la muestra “Arte y Política en los 60” en el Palais de Glace (2002).

Ramona de fiesta, 1966

Ramona de fiesta, Antonio Berni, 1966Ramona de fiesta, Antonio Berni, 1966 Crédito: Gentileza Archivo Berni

Presentado en París en 1963 el personaje de Ramona Montiel también sería continuado por Berni hasta el final de su vida. Con materiales del mercado de pulgas de París y lencería femenina, la saga le dará un impulso erótico a su obra y representa un salto en la técnica del grabado para el arte argentino. Esta obra nunca fue exhibida y solo se reprodujo en el libro “Tesoros de la pintura argentina” del crítico Fermín Fèvre.

 

Los Rehenes, 1969

Los Rehenes, Antonio Berni, 1969Los Rehenes, Antonio Berni, 1969 Crédito: Gentileza Archivo Berni

Esta pieza de gran tamaño hace referencia al sonado secuestro del embajador estadounidense en Brasil Charles Burke Elbrick por parte de dos comandos de la guerrilla en setiembre de 1969. Los diez retratos en el cuadro fueron sacados de las fotografías publicadas en los medios de los 15 detenidos cuya libertad fue canjeada por la del diplomático. Berni anticipó la iconografía de los desaparecidos cuyas fotografías de fines de los 60 y principios de los 70 empezaron a circular a partir de 1983. Se exhibió en 2002 en la muestra “Arte y Política en los 60” en el Palais de Glace.

 

La mayoría silenciosa, 1972

La mayoría silenciosa, Antonio Berni, 1972La mayoría silenciosa, Antonio Berni, 1972 Crédito: Gentileza Archivo Berni

A partir de su éxito en la Bienal de Venecia (1962), Berni trabajaba entre París y Buenos Aires. Esta obra fue realizada en su taller del pasaje Cité Prost y surgió luego de unas conversaciones del rosarino con Henri Lefebvre (1901-1991) a quien conocía de su primer viaje a fines de los años 20. Influída por la estética pop (el collage de “Sargeant Pepper” a cargo de Peter Blake) pero filtrada por la mirada corrosiva de Berni se distinguen en este cut&paste las figuras de Liza Minelli, Brigitte Bardot y Richard Nixon. Exhibida por última vez en “Arte y Política en los 60” (2002).

Promesa de castidad, 1976

Promesa de castidad, Antonio Berni, 1976Promesa de castidad, Antonio Berni, 1976 Crédito: Gentileza Archivo Berni

En la recta final de su vida, Berni revisa el surrealismo de sus inicios a partir de una estética consolidada en cinco décadas de producción. Pieza de gran tamaño y erotismo gótico podría pensarse como la expansión de la serie Ramona junto a otras obras del período como “Chelsea Hotel” (1977). Del mismo modo que en este, la modelo de la obra es Silvina Victoria, última mujer del maestro a la que le llevaba casi cuarenta años. Exhibida en 2005 en “Berni y sus contemporáneos” (Malba).

Aeropuerto, 1976

Aeropuerto, Antonio Berni, 1976Aeropuerto, Antonio Berni, 1976 Crédito: Gentileza Archivo Berni

Chile: Espacios culturales conforman “Red de Museos de la Universidad de Chile”

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La Red de Museos de la Universidad de Chile agrupará a las cinco instituciones culturales y artísticas pertenecientes a la Casa de Bello: el Museo de Arte Contemporáneo (MAC) y el Museo de Arte Popular (MAPA), ambos de la Facultad de Artes; el Museo Nacional de Medicina y el Museo de Anatomía de la Facultad de Medicina y el Museo de Química y Farmacia perteneciente a la Facultad de Ciencias Químicas y Farmacéuticas. A estos se sumará próximamente la Sala Museo Gabriela Mistral.

En enero de este año los directores de los museos de la Universidad de Chile se reunieron con una idea en común: crear la Red de Museos de la Casa de Bello con el objetivo de visibilizar los establecimientos, proyectar una agenda conjunta de trabajo que potencie las actividades de cada uno y consolidar estatutos que regularicen los cargos directivos y las estructuras de funcionamiento.

Dichos objetivos comenzaron a fraguarse en conversaciones de pasillo y esporádicos encuentros, donde los representantes de los establecimientos compartieron experiencias y problemas comunes relacionados a la falta de recursos, manejo de colecciones, métodos de difusión, mantención de sitios web, entre otros.

Ya avanzado el proyecto, el pasado lunes 11 de junio los representantes de los cinco museos de la Universidad de Chile se reunieron con la Vicerrectora de Extensión y Comunicaciones, Faride Zerán, con el objetivo de generar instancias colaborativas de trabajo que permitan el desarrollo integral de la futura Red de Museos de la Universidad de Chile.

El Director del Museo de Arte Contemporáneo (MAC), Francisco Brugnoli, explicó que “últimamente ha ido surgiendo una autoconvocatoria de los museos, de juntarse e ir viendo cosas en común, problemas en común. Se ve la necesidad de crear un sistema de fichaje común de tal manera que todas las piezas, las obras de cada colección estén disponibles para otro museo en caso de algún tipo de interactividad. También se ve la manera de una alimentación común de las web, de tal manera que todas nuestras web estén informando de los otros lugares y así sucesivamente”.

Nury González, Directora del Museo de Arte Popular Tomás Lago (MAPA), aseguró que una de las principales preocupaciones de esta nueva Red será intercambiar conocimientos y metodologías que permitan, por ejemplo, aportar en la catalogación, restauración e investigación de las piezas de los museos.

Sin embargo, la idea de vincular los museos de la Casa de Bello es antigua. Tiene como antecedente el Primer Coloquio de Museos de la Universidad de Chile celebrado en 1988, cuando los establecimientos se reunieron para generar formas de conexión y trabajo en conjunto. Posteriormente, se realizaron en torno a esta idea el seminario “Museos Universitarios Chilenos”, organizado en 1992 por la Vicerrectoría Académica y Estudiantil, y el “Primer Encuentro Internacional de Museos Universitarios de Arte. Fundamentos, estrategias y desafíos”, liderado por la Vicerrectoría de Extensión en 2010.

Dicho encuentro internacional fue impulsado por Francisco Brugnoli, en ese entonces Vicerrector de Extensión, quien explicó que la creación de la Red de Museos U. Chile cobra importancia debido al rol que ha tenido la Universidad en la historia del país. “La Universidad constituye la primera institucionalidad cultural del país, ¿no? Antes no existía ningún ministerio, ninguna cosa. Entre los años 40 se desarrolló aquí un espacio institucional y cultural realmente increíble”.

En esa misma línea, Nury González señaló que “antes la Universidad de Chile era Chile, era el Estado. La investigación en el campus científico, en el campus cultural, en la agronomía, se gestan dentro de la universidad. Entonces estos museos guardan esa memoria. O sea, todo lo que estos museos salvaguardan como historia y como memoria es la importancia que la Universidad de Chile, como una universidad pública – estatal, ha tenido todos estos años en contribuir al desarrollo del país”.

Asimismo, González apuntó a la importancia de resguardar la memoria a través de procesos de restauración, conservación, investigación y archivo, áreas que al día de hoy están avanzadas en diferentes grados en cada uno de los museos. Por lo mismo, como Red esperan trabajar en conjunto para elaborar proyectos transversales que contribuyan al fortalecimiento y desarrollo de las instituciones.

Julio Cárdenas, Director del Museo de Anatomía, aseguró que esta nueva Red nace como una forma de socializar la gestión de las instituciones, “compartiendo estrategias y recursos para así optimizarlos de una mejor manera, proyectando la visibilidad de nuestra Universidad en relación a la vinculación con el medio y permitiendo la articulación con el mundo internacional de museos universitarios”.

Lo anterior, pensando en adscribirse en un futuro al Comité Internacional para los Museos y las Colecciones Universitarias (UMAC) perteneciente al Consejo Internacional de Museos (ICOM), una organización internacional creada en 1946 por profesionales de museos de todo el mundo que al día de hoy cuenta con más de 37.000 instituciones adscritas.

A corto plazo y como uno de sus principales proyectos, la Red de Museos U. Chile espera abordar el manejo de colecciones por medio de la creación de un software transversal que tenga en cuenta las particularidades y diversidades de cada colección, pero que permita conectar a los cinco museos a la vez. Asimismo, esperan “dejar sentadas las bases para que cuando venga un nuevo director o cambio, que siga adelante porque esa es la única manera de salvaguardar las colecciones”, sostuvo González.

 

Tomado de: http://radio.uchile.cl/2018/06/29/museos-locales-se-unen-para-conformar-la-red-de-museos-de-la-universidad-de-chile/

Perú: Declaran Patrimonio Cultural las celebraciones de Semana Santa en Lima

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El Ministerio de Cultura del Perú declaró “Patrimonio Cultural de la Nación a la Semana Santa del Centro Histórico de Lima”, con una resolución que destaca las diversas celebraciones que se realizan en el centro de la ciudad, desde el Viernes de Dolores hasta el Domingo de Resurrección, y que incluyen algunas imágenes con cerca de 500 años de antigüedad.

La resolución viceministerial Nº 041-2018-VMPCIC-MC afirma que se decidió declarar Patrimonio Cultural “por tratarse de una celebración que congrega tanto a la población del propio Centro Histórico de Lima como a los habitantes de otros barrios de la ciudad que se sienten representados en la conmemoración de esta importante fecha del calendario católico, cuya continuidad se ha alcanzado gracias a la organización de una activa comunidad de fieles que rinde culto a diversas imágenes religiosas que se integran en un mismo corpus ritual”.

El texto, con fecha 20 de marzo, indicó que la Dirección de Patrimonio Inmaterial y la comunidad de portadores, deberán elaborar cada cinco años “un informe detallado sobre el estado de la expresión declarada, de modo que el registro institucional pueda ser actualizado en cuanto a los cambios producidos en la manifestación, los riesgos que pudiesen surgir en su vigencia, y otros aspectos relevantes, a efectos de realizar el seguimiento institucional de su desenvolvimiento y salvaguardia, de ser el caso”.

Además de las procesiones, la resolución destaca la realización del “Sermón de las Tres Horas o, como también se le conoce, Sermón de las Siete Palabras de Cristo”, originario de Lima y que “fue instaurado por el sacerdote jesuita Francisco del Castillo, en 1660”.

“La costumbre del Sermón fue continuada por Alonso Messia Bedoya, discípulo del padre Del Castillo y fue adoptada por la Iglesia universal, realizándose actualmente en gran parte de los templos católicos a nivel mundial, incluyendo la ciudad de Roma”, indica.

Con señala que “el Viernes Santo es el momento en que salen las procesiones más antiguas: la del Santo Sepulcro y la de Nuestra Señora de la Soledad, ambas organizadas y mantenidas por antiguas cofradías que se mantienen activas hasta la fecha”.

Además destaca la presencia de imágenes antiguas, como “la Virgen de los Dolores de la Santa Veracruz, imagen traída de España a mediados del siglo XVI”, y la escultura del Cristo del Descendimiento, de 1619.

“A lo largo de los siglos, la Semana Santa del Centro Histórico de Lima ha atravesado por una serie de cambios vinculados a las transformaciones propias del crecimiento de la ciudad y los procesos políticos y sociales que se han desarrollado en ella a través del tiempo”, explica el texto.

Indicó que “uno de los periodos que es importante mencionar es aquel de la década de los ochenta, cuando el Arzobispado de Lima impulsó un trabajo de recuperación y revitalización de las procesiones tradicionales en coordinación con las Órdenes y congregaciones religiosas, las cofradías y hermandades, el cual ha tenido como resultado que hoy en día varias de las imágenes que salían en el Virreinato vuelvan a las calles y se reactive su culto”.

 

Tomado de: https://www.aciprensa.com/noticias/peru-declaran-patrimonio-cultural-las-celebraciones-de-semana-santa-en-lima-15816